Ion Iraizoz presenta su nueva pieza SIMULACRO→20-21ABR

20 y 21 de abril | S20.00, D10.00

Estreno en Madrid de la nueva creación de Ion Iraizoz junto a Gloria March.

 

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SIMULACRO o cómo ensayar la vida: esta pieza se centra en trabajar la ficción como algo que da forma a nuestra realidad. En la vida diaria creamos ficciones de nosotros mismos, proyectamos una imagen acorde a lo que nos gustaría ser o a la percepción que tienen los demás sobre quienes somos.

 

 

Lo que nos constituye como seres humanos es, básicamente, un relato, desde lo que nos contamos a nosotros mismos sobre quiénes somos, hasta las religiones, las empresas o las utopías políticas. Somos relatos en medio de otros relatos. Cuando olvidamos que son pura ficción perdemos el contacto con la realidad. Incluso, sacrificamos nuestra vida al servicio de los relatos de otros. Somos el resultado de las ficciones que nos contamos, somos hijos de lo que imaginamos.

 

En Simulacro dos personas tratan de imitar la vida, la capturan en el interior de una cámara de vídeo con el propósito de sentir o entender algo, y así estar preparados para lo que pueda venir en el futuro. Todo relato esconde la esperanza de una epifanía, de algo inesperado, de algún cambio, quizá por eso estas dos personas tratan de crear un relato nuevo, uno que responda a sus deseos y que encaje en este mundo de simulacros, donde la vida sucede de manera controlada, a una escala hecha a la medida de sus necesidades. Pero es como si a base de artificios y falsificaciones se hubieran olvidado de cómo conseguir que las cosas sucedan de verdad.

 

Cuando leemos un libro, a la mente no le preocupa corroborar la autenticidad de lo que está leyendo, simplemente quiere vivir ahí durante un rato y que nada le distraiga de ese lugar donde siente realmente y donde es capaz de reconocer la alegría, la tristeza, el enfado o las frustraciones de esas personas que viven en nosotros durante un rato. Los dos personajes de Simulacro, al igual que Truman en El Show de Truman o Vladimir y Estragón en Esperando a Godot, se entretienen en su pequeño mundo mientras buscan algún tipo de certeza o revelación.

 

→ Reparto: Ion Iraizoz, Gloria March
→ Dramaturgia: Ion Iraizoz, Albert Pérez, Gloria March
→ Mirada externa: Albert Pérez
→ Espacio escénico: Los Reyes del Mambo
→ Diseño de sonido: Adolfo García
→ Ayudante de dirección: David Mallols
→ Producción: La Caja Flotante
→ Dirección: Ion Iraizoz

 

Ion Iraizoz ha creado y producido siete espectáculos entre los que destacan “Simulacro”, “Catástrofe” y “Beautiful stranger”, piezas que sintetizan su trabajo desde que en 2012 estrenara “El círculo de tierra” en el Teatro Gayarre. Sus montajes combinan texto, audiovisual aplicado a la búsqueda de dispositivos escénicos originales y la creación de nuevas dramaturgias cuya temática gira en relación a la experiencia humana contemporánea.

Ha sido candidato a tres Premios Max, uno como autor revelación con «Simulacro» en 2024, y dos como Espectáculo revelación con “La esfera que nos contiene” en 2017 y “Catástrofe” 2019. Sus creaciones han sido programadas en el Centro Dramático Nacional, Muestra de autores contemporáneos de Alicante (2018, 2019 y 2021), sala Cuarta Pared, Centro Niemeyer, Teatro Gayarre, TEM de Valencia, Tabakalera de Donosti, Madferia, 948 Merkatua, Festival de Olite, Festival BAD, BLV-Art, FITT de Tarragona, Surge y el Corral de comedias de Alcalá de Henares, entre otros espacios y festivales. Además, ha sido compañía residente en los espacios Exlímite, Guindalera y Centro Huarte de Arte Contemporáneo.

Por unas artes escénicas vivas → carta de Mikolaj Bielski, director artístico de Réplika Teatro

Por unas artes escénicas vivas

No existe diversidad en los teatros madrileños. La inclusión de los grandes despertares de nuestro tiempo aparece meramente como “temas” en la mayoría de programaciones de los grandes centros financiados con dinero público. No hay rastro de creadorxs negrxs, migrantes, liminales, identitariamente extranjerxs. Ni rastro de representación en los grandes centros de la representación. 

Tampoco se encuentran, allí, autorxs que no tengan al texto como bandera. Y, si se encuentran, son anécdotas en un desierto narrativo. Desierto por lo homogéneo. Desierto porque la mirada es siempre desde un antes, un previo, un preexistente que legitima todo lo posible que esté por llegar. Un fantasma que presagia a un cuerpo. Un fantasma que hace arrastrar a lo posible sus cadenas. 

 

No hay afueras en los teatros madrileños. Cómo, sin ser afuera, va a ser posible ir de la mano de los tiempos. Cómo, sin ser también afuera, podremos ser críticos. Qué relato se está construyendo si no hay voces, adentro, que vengan de fuera. Si la medida es la vara. Si lo comedido es razón, como razones bien medidas tiene la administración, impermeable si no hay otrxs que, con su práctica, le digan: te quedaste atrás, pon en marcha tu acomodada maquinaria, has de responder ya a lo que hace diez años cambió.

 

Tenemos, en su lugar, aperturas atenuantes. La apertura como movimiento autocomplaciente; una fuga que refuerza la estanqueidad, que obliga a tratar a lo centrífugo solo como fuga. Un capricho en el territorio fortificado del teatro. Como si lo centrífugo no dijese nada del lugar del que parte / de su lugar de origen y contra el que existe / sobre el que toma impulso / sobre el que se eleva, creando nuevo mundo en su movimiento y haciendo aparecer, por su desplazamiento, nuevos centros. 

 

Qué futuro se quiere construir si quienes tienen espacio en los teatros madrileños son solo aquellxs con las ideas claras, con lugares encontrados. Qué futuro se puede construir contodolugaresencontrados. Construir un futuro, hacerlo realmente, es dejar espacio a quien tiene que encontrar todavía, a quien tiene que encontrarse en la práctica, con otrxs. Poner a su disposición los mejores recursos para que la búsqueda no sea supervivencia.

 

Entiéndase la dirección de esta carta. Hay muchxs, desde hace años, pensando y haciendo generosamente, intentando abrir espacio. Pero la responsabilidad de la diversidad no puede cargarse sobre espacios cuya línea de flotación es inestable.

 

¿Por qué creemos que el afuera no nos representa?

 

La discusión y el conflicto entre los teatros privados y los teatros públicos es pasado y presente. 

Me pregunto si para mirar al futuro debemos pensar en qué creemos sin que la discusión y el conflicto lo acapare todo, para que las tensiones no se vuelvan casposas. Para que la discusión sea fértil. Para que aquellxs que llevamos realizando una labor pública tantos años podamos arriesgar sin ponernos en juego.

 

¿En qué creemos de lo público? ¿En qué cree lo público de nuestra labor?

 

Esta carta no es un grito al aire, es una declaración de intenciones, una promesa. La promesa de que otro paisaje es posible. Un paisaje cultural más permeable, diverso y arriesgado.

 

No es suficiente, no está siendo suficiente.

 

La apertura no puede ser anécdota, no puede ser excepcional. Las instituciones públicas deben entender que muchxs de nosotrxs queremos y debemos hacer más, pero que esto, en este momento cultural, es imposible sin el entendimiento y el apoyo real de lo público.

Las instituciones lanzan ayudas a la creación y a la programación. La propia palabra “ayuda” ya nos aleja de cualquier diálogo horizontal y con futuro. 

 

Romeo Castellucci llega a Réplika Teatro, una más de las muchas salas privadas de pequeño/mediano formato en la ciudad de Madrid, todas dependientes del dinero público. Esto es, para el gremio, seguramente, un pequeño hito. Este hito significa muchas cosas pero, sobre todo, la demostración de que un espacio, público o privado en este caso, puede desbordarse. Significa que es posible que cosas que nunca han ocurrido puedan ocurrir. Significa que el deseo bien organizado puede transformar un espacio, a unxs artistas, a un público.

 

Lo público no puede ser un muro, un cierto enemigo. No tiene sentido, no puede ser así. Reimaginar los ecosistemas culturales es necesario y urgente, y debemos hacerlo entre todxs.

 

Nuestro deseo es buscar nuevos centros donde la diversidad del arte contemporáneo gravite. La nueva creación contemporánea no es sólo una fuga, el deseo no está al margen de un espacio y las promesas no son de aquellxs que piensan que todo es posible. No todo es posible, pero tampoco está todo perdido.

 

Nada tendría sentido sin un anhelo compartido entre artistas y teatros. Si nuestro anhelo no fuese el mismo que el de muchxs artistas que han pasado por nuestro teatro, este teatro, Réplika, no sería posible. Si nuestro anhelo no fuese compartido con lxs artistas, no tendríamos ahora este teatro. Una pulsión sostenida por Socorro y Jarek durante más de tres décadas. Porque para que ahora podamos decir esto, ellos han hecho entonces. Porque siempre somos herencia y acogida.

 

Un teatro no puede existir para sobrevivir.

 

Un teatro es otra cosa. Un deseo real, una realidad del deseo, algo que deberíamos imaginar y reconstruir ininterrumpidamente.

 

Este movimiento pone en marcha una fe que reza: ojalá poder programar fuera de los cánones; ojalá poder programar poniendo en crisis el espacio de representación sin poner en crisis la supervivencia de nuestro espacio.

 

Creo que nuestra labor desde fuera de lo público es tensar continuamente a lo público, para acercarlo a los tiempos, aunque la consecución de esa concomitancia sea, por siempre, una aporía.

 

Los próximos 12, 13 y 14 de abril, en un teatro privado de mediano formato, sostenido en el tiempo por el ahínco de una familia, acontecerá una tensión que es una oportunidad para pensar de nuevo qué circuito tenemos y qué circuito debemos construir.

 

Lo que nosotrxs hacemos desde Réplika es, a todas luces, insuficiente, pero sí puede, al menos, alumbrar un camino posible donde la apertura permee.

 

 

Mikolaj Bielski

Director artístico de Réplika Teatro

Encuentro online con ROMEO CASTELLUCCI → 10ABR

El próximo miércoles 10 de abril a las 13.00h tendrá lugar en Réplika Teatro un encuentro online con Romeo Castellucci. La cita contará con la participación en sala de Antonia Blau (directora del Goethe Institut-Madrid) y Mikolaj Bielski (director artístico de Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación). Romeo Castellucci intervendrá telemáticamente. 

 

El encuentro, abierto al público general y a prensa, se celebra con ocasión del estreno en Madrid de la obra Il Terzo Reich, que podrá verse en Réplika Teatro los días 12, 13 y 14 de abril. 

 

Acceso libre hasta completar aforo. 

 

Para los que no puedan asistir, el encuentro se retransmitirá en directo a través del Canal YouTube de Réplika Teatro

 

Se permitirá la intervención de los asistentes en sala a través de una ronda de preguntas.

 

 

 

 

Fotografía de Romeo Castellucci: Luca del Pia

Cuerpo, identidad y discurso en el regreso de ÉSKATON → 5-7ABR

5, 6 y 7 de abril | V21.00, S20.00, D10.00

La agrupación artística ÉSKATON vuelve a Réplika Teatro con su pieza sobre el cuerpo, el discurso y la identidad con autoría de Miguel Deblas y George Marinov.

 

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La pieza comienza con un particular y ridículo vídeo-contrato que los performers han grabado en mitad de la noche, en un bosque, subidos a un burro. Como en un documento oficial, exponen su compromiso con la escena, casi a la manera en que lo hacen las actrices y los actores de cine porno; o cómo cuando alguien decide participar en un experimento para la investigación científica; o como cuando alguien se alista en un ejército, entregando su cuerpo a una causa ajena, dejando de lado las voluntades y deseos propios. Por curiosidad, por diversión, por la angustia de una vida que no cambia, por la desazón de sentirse profundamente débil en este mundo.

 

Ahí comienza un camino hacia la descomposición. Dividido en tres ejercicios, donde cada cuerpo se relaciona de una forma diferente con el discurso que le ha construido.

 

Cada cuerpo atraviesa un “ejercicio” formado por prácticas que oscilan entre lo doloroso y lo placentero, confundiéndose lo uno con lo otro. Cada ejercicio aborda el peligro que supone desmantelar a ese cuerpo del discurso.

 

En Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía la escena constituye un paralelismo con el encuentro físico, el encuentro cuerpo a cuerpo, donde el peligro es potencia. Exaltar ese peligro es exaltar la potencia.

 

Esta potencia es la del cambio de forma, de figura, la de la metamorfosis.

 

→ Dirección, espacio escénico, iluminación y vestuario: Miguel Deblas Escera y George Marinov
→ Dramaturgia: Miguel Deblas Escera
→ En escena: Miguel Deblas, George Marinov y Júlia Solé
→ Espacio Sonoro: Cristina Manuela en colaboración con Rachel Heavey
→ Sound Destruktor: Víctor Heitzmann
→ Prensa y comunicación: Javier González (Adiria)
→ Con la colaboración de El Consulado (Valencia)
→ Una producción de Réplika Teatro

 

Miguel Deblas y George Marinov son artistas residentes en Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación. Junto a Óscar Nieto forman ÉSKATON, cuya primera obra, Cicuta Contagiosa, fue producida por Réplika Teatro y estrenada en abril de 2021.

 

La agrupación artística ÉSKATON, con base en Madrid, se dedica a la investigación artística utilizando lo escénico y lo performativo como potencia y obstáculo. La doble acepción de la palabra “escatología” encauza y rige su forma de trabajar. Por un lado, lo asqueroso, los desechos, los excrementos, lo despreciable, y, por otro lado, todo lo que se acaba, se muere, se ultima.

 

Hasta ahora han presentado las piezas de Cicuta ContagiosaSymposium – In vino veritasEjercicios militares para confundir éxtasis con agonía y La poesía y el discurso.

 

eskaton.es

IG: https://www.instagram.com/eskaton_/

Romeo Castellucci llega a Réplika Teatro con el estreno en Madrid de «Il Terzo Reich» → 12-14ABR

Romeo Castellucci llega por primera vez a Madrid para presentar «Il Terzo Reich» (El Tercer Reich), una perfomance donde el lenguaje se impone a través de un ritmo frenético y autoritario.

Con el apoyo del Goethe-Institut Madrid.

 

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Esta videoinstalación se basa en una representación espectral de todos los nombres. Todos los sustantivos que aparecen en el diccionario italiano (y luego traducidos a otras lenguas) se proyectan, en una secuencia, uno a uno, en una pantalla gigante.

 

Estos sustantivos representan potencialmente todos los objetos de la realidad que tienen un nombre. La velocidad de esta secuencia viene dada por nuestra capacidad, determinada por nuestra retina y nuestra memoria, de retener una palabra que aparece en un instante, con una duración de una vigésima de segundo. Esto constriñe nuestra mirada, que pronto alcanza un punto de inflexión en el que se produce una fusión, justo antes de que nuestra percepción pierda el control. En el parpadeo resultante, ya no es posible distinguir los términos individuales. En la situación límite creada por esta serie frenética de palabras, algunas de ellas dejarán huella en la corteza visual de cada espectador, mientras que otras, la mayoría, se perderán. El espectador, indefenso al ser tratado de este modo, se ve sometido a la palabra humana, como una cuestión de cantidad. No el qué, sino el cuánto. Este furioso fardo de sustantivos no deja lugar a la elección ni al discernimiento. El núcleo del lenguaje vuelve al ruido blanco, que conduce al caos.

 

Il Terzo Reich es la imagen de una comunicación impuesta, obligatoria, cuya violencia va pareja a su pretensión de igualdad. Aquí, el lenguaje-máquina agota esferas enteras de la realidad, ya que los sustantivos son todos iguales, producidos mecánicamente en serie, como edificios prefabricados en un saber que no deja lugar a escapatoria.

 

Todas las pausas son abolidas, ocupadas. La pausa, o la ausencia de palabras, se convierte en un campo de batalla para las palabras y su agresión militar; los sustantivos del diccionario, proyectados en la pantalla, son banderas plantadas en una tierra conquistada.

 

La proyección irá precedida de una acción simbólica en la que un intérprete dará vida a una ceremonia en la que se «enciende» el lenguaje. El sonido que acompañará la instalación, compuesto por Scott Gibbons, será apodíctico.

 

 

Duración: aprox.  50 minutos 

 

La instalación pone en juego audio de alto volumen e imágenes de alta frecuencia que no se recomiendan para personas que padecen epilepsia, enfermedades cardíacas y personas fotosensibles. La instalación no está recomendada para niños menores de 12 años.

 

→ de Romeo Castellucci

→ Sonidos de Scott Gibbons

→ Coreografía de Gloria Dorliguzzo

→ Interpretación Gloria Dorliguzzo

→ Video making Luca Mattei en colaboración con Giulia Colla

→ consultoría IT Alessandro Colla

→ Dirección de producción: Benedetta Briglia

→ Promoción y distribución: Gilda Biasini

→ Producción y gira: Caterina Soranzo

→ Dirección técnica: Eugenio Resta

→ Responsables técnicos en gira: Isadora Giuntini – Andrea Sanson – Claudio Tortorici

→ Producción: Societas

 

Director, escenógrafo, iluminador y figurinista, ROMEO CASTELLUCCI (Cesena, Italia, 1960) es conocido en todo el mundo por haber creado un teatro basado en la totalidad de las artes y orientado a una percepción integral de la obra. Su teatro propone una dramaturgia que anula la primacía de la literatura, haciendo de su teatro una forma de arte compleja; un teatro hecho de imágenes extraordinariamente ricas expresadas en un lenguaje tan comprensible como la música, la escultura, la pintura o la arquitectura. Sus producciones son invitadas y producidas regularmente por los más prestigiosos teatros, festivales y teatros de ópera internacionales, en más de sesenta países de todos los continentes.

A lo largo de su carrera ha recibido importantes premios y galardones.

Romeo Castellucci es Grand Invité de la Triennale de Milán durante el periodo 2021-2024.

En octubre de 2023, comienza la creación de la Tetralogía de Richard Wagner «El Anillo del Nibelungo» en La Monnaie de Bruselas.

En marzo de 2024 crea Berenice, de Jean Racine, con Isabelle Huppert.

 

 

IG: @societas_teatrocomandini

societas.es

fotografías: Lorenza Daverio

 

Con el apoyo de

 

Programación ABRIL

ejercicios militares

ABRIL: Romeo Castellucci estrena en Madrid IL TERZO REICH

ÉSKATON regresa con «Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía» con autoría de Miguel Deblas y George Marinov donde a través de prácticas que oscilan entre lo placentero y lo doloroso se interroga sobre el cuerpo, su identidad y los discursos que le dan forma.

 

ROMEO CASTELLUCCI estrena en Madrid «Il Terzo Reich» una videoinstalación con música de Scott Gibbons donde el lenguaje se impone a través de un ritmo frenético y autoritario.

 

ION IRAIZOZ estrena su última pieza «Simulacro» junto a Gloria March, donde juegan con la construcción de una ficción para dar forma a la vida y el mundo real.

 

NICOLAS HERMANSEN presenta «Après la chronique», una meticulosa puesta en escena que lleva al público a un lugar auto-generado, con una atmosfera surrealista y absurda que recuerda a escenas de Black Mirror o de una película de David Lynch.

 

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Réplika Teatro firma un convenio de colaboración con el Goethe-Institut Madrid

El Goethe-Institut Madrid y Réplika Teatro han firmado un convenio de colaboración que estrecha aún más los lazos entre ambas instituciones y permite obtener descuentos bidireccionales entre los usuarios que tengan la Goethe-Karte y lxs estudiantes de la escuela Réplika Teatro.

 

Todas las personas con la Goethe-Karte podrán beneficiarse de un 30% de descuento en las entradas a los espectáculos programados en Réplika Teatro que tengan habilitada la Tarifa Joven, independientemente de su edad, para lo que deberán seleccionar dicha tarifa en el proceso de compra y presentar la acreditación en taquilla. Lxs estudiantes de la escuela Réplika Teatro obtendrán un 5% de descuento aplicable en el primer curso en el que se inscriban ofertado por Goethe-Institut Madrid.

 

 

 

                      

IN-SONORA regresa a Réplika Teatro → 9-17MAR

Muestra Internacional de Arte Sonoro e Interactivo | IN-SONORA 13

Performances, instalaciones sonoras e interactivas, realidad virtual, experiencias 360, piezas audiovisuales y sonoras forman parte de la 13ª edición de IN-SONORA que se inaugura esta semana, compuesta por una variada representación de artistas nacionales e internacionales.

 

Un año más, Réplika Teatro acogerá varios de los eventos de la Muestra durante los días 9, 10, 15, 16 y 17 de marzo.

 

(Más información de cada evento pinchando en cada imagen)

 

9 de marzo | BREATH + EL FRAGOR (CENCERRADA)

breath fragor

 

10 de marzo | OLEAJES ELÉCTRICOS + CYRA

oleajes electricos cyra

 

15 de marzo | MORFIA

morfia

 

16 de marzo | POLYPHONO + MEDIAL DARK AGES

polyphono medial dark ages

 

17 de marzo | ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ARTE DIGITAL

encuentro internacional de arte digital

 

 

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Estreno de ESPECTRO DORADO: brillo, mística y oro → 1MAR

1 de marzo | V21.00
Sonoridades

 

Marta Verde y José Venditti regresan a Réplika Teatro para presentar Espectro Dorado, una creación que profundiza en la experiencia mística del brillo dorado a través de la luz, la imagen y el sonido.

 

Una propuesta audiovisual que explora los matices del espectro; del oro molido al bruñido, del dorado crisolita al del latón, para indagar en la conexión humana con el metal precioso, más allá de su relación simbólica con el capital y el poder.

 

Una experiencia que recorre las frecuencias tonales de color y sonido específicos del espectro dorado, explorando sus resonancias culturales y simbólicas.

 

 

La performance se lleva a cabo en un formato de live audiovisual.

 

En el plano visual y lumínico se utilizan imágenes y texturas controladas y/o generadas en tiempo real por Marta Verde a través de diversas técnicas, como la programación, grabaciones de campo, o material pre-producido con técnicas analógicas, digitales e incluso herramientas de IA.

 

En el plano sonoro/musical, José Venditti trabaja con multiples instrumentos de percusión dorados, fabricados en latón, sintetizador modular, y saxofones procesados.

 

MARTA VERDE y JOSÉ VENDITTI son un dúo de artistas que llevan desarrollando juntxs performances audiovisuales desde 2015. En su trabajo exploran los límites de la melodía y el ruido, armonía y tensión, repetición y aleatoriedad, en un ejercicio de equilibrio entre composición y libre improvisación.

 

En la mayoría de sus proyectos han hecho especial foco en la exploración de las experiencias místicas o espirituales que han atravesado a los seres humanos a lo largo de la historia. Trabajando bajo conceptos como el sueño en su proyecto “El Caballo del Sueñø”, el tarot en «Arcano II”, los augurios en “Omen” o reinterpretando desde lenguajes contemporáneos los relatos religiosos de Val del Omar en “√ÅL ∆EL ØMÅ®”.

 

Un acercamiento a estas experiencias trascendentales desde el trabajo con herramientas y procesos visuales y sonoros matemáticos, generativos y físicos, con la intención final de una búsqueda por intentar atrapar o descubrir aquello que escapa al entendimiento racional o científico y trasladarlo al espacio del escenario.

Tanto juntos como individualmente han presentado trabajos y proyectos artísticos en espacios y eventos como Museo Nacional Reina Sofía, Teatro Circo Price, Festival In Sonora, L.E.V, Festival Mira, Centro Cultural Conde Duque, Espacio Fundación Telefónica, La Casa Encendida, Círculo de Bellas Artes, Media Lab Prado, SEMINCI Valladolid, Tabakalera Donosti, Festival Volumens, Festival Internacional de Arte Sonoro de Montevideo, Museo de la Memoria de Montevideo (Uruguay), Heritage Space in Hanoi (Vietnam), and Sonic Dreams Festival (Ireland)…

 

 

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SOY UN BAILE de Rosa Romero llega a Madrid → 24-25FEB

24-25 de febrero | S20.00, D19.00
Escénicas

 

La artista gaditana Rosa Romero presenta por primera vez en Madrid su pieza «Soy un baile».

 

→ Creación, dramaturgia e interpretación: Rosa Romero

→ Música y espacio sonoro: Pitu García y David González

→ Iluminación: Benito Jiménez

→ Sonido en directo: David González

→ Vestuario: Gloria Trenado

→ Ingeniería: Pablo Pujol

→ Bordados: Debaga

→ Asistencia en dramaturgia: Alberto Cortés y Jaime Conde-Salazar

→ Asistencia en cuerpo: Silvia Balvín

 

El cuerpo se me desdibuja y aparece el deseo de ser otra cosa, un estriptis, un show de transformista, un número de folclórica, un simulacro de otro plano de existencia donde los cuerpos puedan ser sonidos, objetos o un baile. La mecánica sistémica actual capitaliza los cuerpos hasta tal punto, que hace que la única forma posible de contratacar sea destruirlos. Para ello sería necesario inventar nuevas alternativas de cuerpo, nuevas cajas donde encerrarlo y nuevos métodos para que sigan siendo entes vivos y sensibles no materializados en la fisicidad. Ser un baile debería ser una forma digna de cuerpo.

 

 

En esta búsqueda, sobre nuevas formas de existencia menos dolorosas, me encontraba, cuando me di cuenta de que el título de este trabajo estaba funcionando como un conjuro. En el ejercicio de hacer desaparecer el cuerpo, este se hace más nítido, más presente que nunca. Un título en presente, aleja la idea de un cuerpo en proceso, a la espera de ser validado y aparece un cuerpo que ya es y que baila para reivindicarse.

 

De la misma forma, como una revelación, se cruzan en mi vida las relaciones paterno filiales con sus cuidados de protección de los cuerpos y de nuevo el deseo de trascender. Ojalá mis padres se transformen en otra cosa que no sea mortal, ojalá no hubiera cuerpo, o que se haga tan presente que no se vea. Me he inventado una ficción para entenderlo.

 

 

ROSA ROMERO es actriz y creadora gaditana licenciada en arte dramático (ESAD Málaga, 2004 – 2008), en esta ciudad trabaja en compañías jóvenes como Bajotierra o La Mordiente con las que comparte el interés por la creación y la experimentación escénica. Durante este periodo malagueño estudia regiduría en el Centro de Formación Escénica de Andalucía y colabora en la creación del festival de escena alternativa, El Quirófano. Tras pasar por la Escuela de Interpretación de William Layton (Madrid, 2013), vuelve a su ciudad natal, San Fernando, donde crea y coordina Estratería, un proyecto asociativo y de mediación a través de las artes escénica. En 2014, inicia el camino hacia la creación personal poniendo la atención en el cuerpo, la recuperación del baile heredado y la comunicación bruta con los espectadores.

En 2018 estrena su primer solo, «Esta no es la vida privada de Rosa Romero». En 2020, es seleccionada como residente en La Caldera (Barcelona) con «DEBUT», pieza que estrena en enero de 2021. «Soy un baile» se estrena en septiembre de 2023, trabajo con el que recibe los premios a mejor intérprete y mejor espectáculo revelación 2023 de la asociación andaluza de profesionales de la danza. Actualmente reside en Sevilla donde ha trabajado en proyectos como «Pelo de trol» con Silvia Balvín o «Estación espacial» junto a Alberto Cortés y Álex Peña, producida por Teatro de la Abadía para el ciclo Teatro confinado (2020). «La escuela del sur», es uno de sus últimos proyectos creado y dirigido junto a Alberto Cortés, en colaboración con el FIT y la fundación Siemens. Un espacio de encuentro para artistas escénicos contemporáneos de la provincia de Cádiz.

 

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