EL VUELO DEL HIPOTÁLAMO, ceremonia escénica para lxs muertxs en el mar → 2JUN

El vuelo del hipotálamo

2 de junio | D20.00

 

José Ramón Hernández y Osikán – vivero de creación cierran la temporada de Réplika Teatro con una ceremonia escénica para las muertas y los muertos en el mar que inicia con una cena colectiva.

 

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→Concepto y dirección: José Ramón Hernández

→Dramaturgia: Yohayna Hernández / José Ramón Hernández

→Producción: JHS producciones / Osikán – vivero de creación

→Música en directo:  Juan Ignacio Calderón / Yunieski Gil Pedraza

Con la colaboración de: Clotilde Monkangere (El Congo) /Abdel Azis (Camerún) /Elichy Melanie (Costa de Marfil) / Adnane Houmirat (Marruecos) / Prince Barclay (Liberia) Saber Er Rossafy (Marruecos) / Djovaní Koné (Costa de Marfil) / Ndongo Dione (Senegal)

 

josé ramón hernandez

Cuando Bay, un joven senegalés, atravesaba el océano atlántico en una patana, una Abayomi salida de las profundidades del mar, cayó en sus pies. Las Abayomis eran muñecas hechas por las mujeres esclavizadas para calmar el llanto y el dolor de sus hijos. Se arrancaban sus vestiduras y las confeccionaban con seis nudos, en cada nudo, un rezo, un deseo y una bendición, como símbolo de amor, protección, alegrías y resistencias.

 

EL VUELO DEL HIPOTÁLAMO es una ceremonia escénica para las muertas y los muertos en el mar. La pieza activa un ritual colectivo a partir de la instalación de un altar escénico en el que se canta, evoca y celebra la vida. El mito de las muñecas Abayomis (palabra que significa “encuentro precioso”) se entrecruza con la experiencia de vida de personas  inmigrantes del sur global.

 

Inspirada en las honras fúnebres, ritual afrocubano de la Regla de Ocha-Ifá, una cena entre todas las participantes abre la pieza. De ese comer juntas, El vuelo del Hipotálamo se transforma en un altar escénico de voces del presente y del pasado. Tejidas con los pelos de los cuerpos que han atravesado el proceso de creación de esta pieza, las muñecas Abayomis convidan al público a un canto colectivo, un canto de placer y de protesta.

 

La palabra subversiva de la oratoria política se cruza con las memorias y saberes ancestrales de las cuerpas migrantes. El vuelo del Hipotálamo pone en escena artistas, activistas, personas inmigrantes, iyalochas, babalochas y músicos. Al ritmo de los tambores batá, las participantes son convocadas a un gesto colectivo de duelo, de reparación poética, política y escénica.

 

JOSÉ RAMÓN HERNÁNDEZ (Palma Soriano,1988) Artista indisciplinar afrocubano. Vive y trabaja en  Madrid y en La Habana. Su práctica se  desplaza  entre la dirección artística, la dramaturgia, la coreografía, el comisariado de artes en vivo, la instalación, la performance, la docencia, la mediación  y  la gestión  cultural. Fundador y director  artístico  de Osikán – vivero de creación. Su investigación creativa pone foco  en la ritualidades afrodescendientes, las performatividades, las cuerpas periféricas, las materias, las espiritualidades, las memorias, las migraciones, las cartografías y los deseos.  Ensaya  los límites entre la ficción y la realidad, el trabajo con documentos no ficcionales y las herramientas de lo sensible para afectar e intervenir procesos sociales y comunidades. Ha obtenido importantes  premios y reconocimientos, entre ellos el Premio Villanueva de la Crítica 2016 de la  Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) y la Asociación Internacional de Críticos de Teatro (ACT) por la obra BaquestriBois. Su obra se ha mostrado en Cuba,  México, Chile, República Dominicana, Alemania, Bélgica, Estados Unidos, Brasil  y España. Es espiritista, babalocha y palero.

 

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Abierto plazo de matriculación y pruebas de acceso → DIPLOMATURA 2024-25

→ Reserva ya tu fecha para la Prueba de acceso escribiéndonos a academia@replikateatro.com

 

La Diplomatura en Arte Dramático de Réplika Teatro tiene una duración de 3 años y conlleva una formación integral con una amplia variedad de asignaturas además de Interpretación y Prácticas Escénicas (Danza, Canto, Cultura Crítica, Entrenamiento Cuerpo-Voz, Interpretación ante la cámara, New Media, Creación contemporánea, Dramaturgia, Historia del arte, Módulos de creación con creadorxs…).

 

 

Fundada por Jaroslaw Bielski y Socorro Anadón en 1997, la escuela de Réplika Teatro se ha convertido en uno de los referentes pedagógicos de la capital, ofreciendo una formación integral con profesionales en activo y unas instalaciones óptimas para la práctica interpretativa y la creación contemporánea. Su sede, un edificio de tres plantas con una nave industrial reconvertida en espacios escénico, posibilita que el estudiantado pueda confrontar su trabajo con el público desde el primer año, realizando un mínimo de 5 muestras finales en nuestra sala de teatro cada curso.

 

Una escuela de artesanía actoral, donde se reflexiona de forma práctica sobre las técnicas de actuación aplicables a todos los medios de expresión con los que se enfrenta el actor en su carrera profesional.

 

Si tienes alguna duda, contacta con nosotrxs a través de mail en academia@replikateatro.com o llamando al 915350570.

 

CONCIERTO GEOLÓGICO de AzkonaToloza, extractivismo y barbarie mineral →25-26MAY

Concierto Geológico

25 y 26 de mayo | S20.00, D13.00

 

La compañía AzkonaToloza presenta por primera vez en Madrid su pieza Concierto Geológico, creada junto al músico Rodrigo Rammsy.

 

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CONCIERTO GEOLÓGICO es un documental especulativo en formato de concierto y conferencia performativa. Una pieza de artes vivas que es parte del primer capitulo de la serie FALLA, junto a CANTO MINERAL.

 

→ de AzkonaToloza y Rammsy

→ Dramaturgia: Laida Azkona Goñi y Txalo Toloza-Fernández con la colaboración de Raquel Cors

→ Puesta en escena: AzkonaToloza

→ Banda Sonora original y diseño sonoro: Rodrigo Rammsy

→ Performers: Rodrigo Rammsy, Laida Azkona y Txalo Toloza-Fernández

→ Voz en off: María Luisa Solà

→ Producción: Helena Febrés

→ Ayudante de dirección: Raquel Cors

→ Construcción e investigación instrumental: Rodrigo Rammsy y Conrado Parodi

→ Diseño de luces: Ana Rovira

→ Diseño audiovisual: MiPrimerDrop y Raquel Cors

→ Diseño espacial y escenografía: AzkonaToloza

→ Fotos: CC BY_NC_SA CCCB, Glòria Solsona.

 

 

Luego de 6 años recorriendo diversos territorios de Abya Yala de la mano de la Trilogía Pacífico en busca de las grietas dejadas por el colonialismo y la barbarie capitalista, la pregunta era evidente: Y ahora, ¿qué?, y ahora, ¿hacia dónde vamos? ¿Qué superficie debemos rastrear?

 

Y la respuesta se encontraba en el último verso de la trilogía Pacífico: “Ahora, lo que toca es frenar y escuchar. »

 

Pero, ¿a qué voz prestar atención? Porque luego de años escuchando voces y relatos humanos, ahora, necesitábamos escuchar otras voces. Las voces de los elementos que, a pesar de conformar el planeta, están, pero no son. Que, pese a forma parte de la base matérica de la vida, pese a convivir con nosotras y ser el fundamento de nuestros sistemas económicos y culturales, no son reconocidos como sujeto de derecho.

 

El poeta Joan Brossa dijo: “L’ultima paraula, la tindran els arbres”; y pensando en eso cerrábamos la trilogía Pacífico. Pero, ¿y si no fuesen los árboles?, ¿si fueran las rocas? Porque los sistemas de clasificación de la naturaleza son parte de un relato científico, de una cosmovisión, entre muchas. En ellos, lo mineral es situado en el extremo opuesto a lo humano y, por ende, a lo vivo. Y como tal, es considerado libre de ser explotado hasta las últimas consecuencias. Porque su condición de materia inerte, de recurso, es también la primera excusa para ejercer la barbarie extractiva sobre ella. La explotación descontrolada y desregulada. La barbarie mineral.

 

Ahora, emprendemos un nuevo viaje. Una travesía en búsqueda de las voces de las montañas. Del rugir de los volcanes. Del crujir de las rocas. De la vibración de una falla. Una búsqueda cuyo primer gesto consiste en apartarnos del centro de la escena para situar en él a las montañas, las piedras y a los volcanes. Y disolvernos después, en una multiplicación de relaciones porosas entre sus componentes minerales y los nuestros.

 

Entre su sangre y nuestra lava.

 

 

AZKONATOLOZA. Situadas a medio camino entre el Mar Mediterráneo, los Pirineos y el Desierto de Atacama, Laida Azkona Goñi y Txalo Toloza-Fernández son un pareja de artistas dedicada a la realización de proyectos de artes vivas. Interesadas en las infintas posibilidades de la poesía y la antropología visual, la videocreación lo-fi, la performance y el movimiento, sus últimas creaciones se centran en la relectura de la historia oficial y la creación documental pensada para escena.

La Trilogia Pacífico, compuesta por las piezas Extraños Mares Arden, Tierras del Sud y Teatro Amazonas es el último proyecto escénico de la compañía.

 

RODRIGO RAMMSY. Es músico, productor, compositor de bandas sonoras y técnico de sonido. Reside en Barcelona desde 2012, donde desarrolla proyectos musicales para danza y teatro, televisión y cine, creaciones sonoras, diseños de sonido, espacios sonoros, mezcla y mastering. Entre otros proyecto ha colaborado con las coreógrafas Margherita Bérgamo, Raquel Gualtero, con la compañía de danza Una i Una, con la directora de escena Raquel Cors y con la compañía de teatro Hand Made Theater.

 

https://miprimerdrop.wordpress.com/

IG: @azkonatoloza

 

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Práctica e identidad travesti con SARA MANUBENS→11-12MAY

SYMPHONY PERFORMANCE

11 y 12 de mayo | S20.00, D19.00

Estreno en Madrid de la versión escénica de Symphony Performance de la artista Sara Manubens.

 

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Symphony of the Seas es una travesti patéticamente inestable que ensaya un gran escándalo. Al borde entre la realidad y la ficción, Symphony entrega su cuerpo a sus últimas fantasías, creando escenas melodramáticas y con alta carga visceral: emocionarse es un acto disidente. Symphony es un cuerpo que transiciona en su propia histeria mientras promete un gran espectáculo que nunca llega.

 

Symphony Performance es un estudio en la construcción del lenguaje con herramientas híbridas que provienen tanto de la Danza y la Performance como de la práctica e identidad Travesti, un estudio emocional sobre el amor y la violencia que recibe el cuerpo trans-femenino.

 

→ Concepto, coreografía y producción: Sara Manubens
→ Diseño de iluminación y técnica en funciones: Manoly Rubio
→ Tecnologías Backstage: Feña Celedón
→ Vestuario: Hanna Tervonen
→ Diseño y publicación: Bruna Kury
→ Residencias: El Canal Salt, La Poderosa, Festival Linha de Fugida (PT)
→ Co-producción y estreno: Antic Teatre (2024)

 

 

SARA MANUBENS. Artista, coreógrafa y travesti en Barcelona. Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Museo Reina Sofía, grupo ARTEA). Su trabajo se mueve entre el site-*specific, la performance y la danza y se centra en la transcorporalidad y su impacto en la realidad. Toma la práctica e identidad travesti desde una mirada crítica y experimental. Desarrolla sus propios proyectos de investigación desde 2015. Diseña y ejecuta proyectos educativos entre ellos, DRAG KIDS (2020) o TEEN HORROR (2023). Trabaja como performer con Cuqui Jerez, Aimar Pérez Galí, Idoia Zabaleta. Escribe reseñas críticas sobre danza y performance en el Blog del Mercat deles Flors.

 

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IG: @symphony_performance

saramanubens.cat

 

MANIFIESTO INDEPENDIENTE PARA UNA PERFORMATIVIDAD TRAVESTI

12 de mayo | D13.00

 

 

Lectura del manifiesto fruto de la investigación que Sara Manubens lleva realizando desde hace siete años sobre el travestismo y su performance desde un punto de vista escénico y coreográfico.

 

Compuesto de la recolección de diferentes notas escritas durante estos últimos años que reúnen diferentes aspectos del fenómeno travesti aplicado a las Artes del movimiento y la Performance. El manifiesto está en proyecto de publicación en colaboración con Bruna Kury, artista visual brasileña centrada en creaciones entrecruzadas por género, clase y raza.

 

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Programación MAYO

 

MAYO: cuatro piezas escénicas que exploran la performatividad a través de lo travesti, lo documental y la ceremonia

SARA MANUBENS presenta la versión escénica de «Symphony Performance», un estudio emocional sobre la violencia y el amor que recibe el cuerpo trans-femenino. También tendrá lugar la lectura del «Manifiesto Independiente para una Performatividad Travesti», fruto de la investigación de siete años sobre el travestismo y su performance desde un punto de vista escénico y coreográfico.

AZKONATOLOZA trae por primera vez a Madrid «Concierto Geológico» un documental especulativo en formato de concierto y conferencia performativa que nos ofrece una travesía en búsqueda de las voces de las montañas, la piedras y los volcanes.

JOSÉ RAMÓN HERNÁNDEZ cerrará la temporada con «El vuelo del hipotálamo», una ceremonia escénica para las muertas y los muertos en el mar que inicia con una cena colectiva.

 

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APRÉS LA CHRONIQUE, aislamiento social en un mundo hiperconectado→26-28ABR

26 y 28 de abril | V21.00, D19.00

El artista multidisciplinar Nicolas Hermansen estrena en Madrid «Après la chronique».

 

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Una pieza sobre la sensación de aislamiento social en un mundo hiperconectado. «Après la chronique» lleva al público a un no lugar auto-generado donde las relaciones humanas son simplemente negadas o solo existen a través de un media. La situación inicial es mundana: dos performers, estilizados como figuras gemelas, están sentados a una mesa y comen. Este escenario cambia gradualmente en una farsa absurda y surrealista, en la que ambos artistas se ven amenazados por hundirse en sus propios mundos. Mediante una meticulosa precisión en la puesta en escena y los movimientos extremadamente desacelerados de los intérpretes se desarrolla una atmósfera siniestra de aislamiento que, a través de su reducción y concentración, recuerda a escenas de la serie Black Mirror o de las películas de David Lynch.

 

→Creación: Nicolas Hermansen (con los performers)

→Performers (escenario): Manuel Monrò, Jordi Font, Jesús Bravo

→Performer sonoro: Nicolas Hermansen

→Técnico: David Ribes

→Diseño y coding robot araña: Xu Yinghao

→Escenografía y diseño de luces: Nicolas Hermansen

→Producción: Marie Abel

→Una producción Ass. Cult. Mirando Terpsichore

→Creado con las ayudas de Fabra i Coats, Fàbrica de Creació y La Blanca performance art lab, con la colaboración de el Institut Ramon Llull

 

 

apres la chronique

 

NICOLAS HERMANSEN (Bélgica/Noruega) es un artista multidisciplinar que trabaja en artes escénicas, sonoras y visuales. Es el fundador de la [SIC], una compañía de artes escénicas en vivo. Su trabajo, como solista o con La [SIC], ha sido presentado en muchos países europeos y americanos. Los temas principales de Nicolas Hermansen en sus obras de arte se centran en el ser humano y sus contradicciones. Apasionado por el concepto de figura y la falta de elementos psicológicos, su obra suele describirse como llena de posibilidades narrativas que permiten al espectador encontrar su propio camino.

Entre otros, ha presentado sus obras en festivales y centros como el Glasgow Centre for Contemporary Arts (UK), MEM Performance festival (Bilbao), In-Sonora Festival (Madrid), Mute Festival, Gent (BE), Altofest (Nápoles, IT), File Festival (Sao Paulo, BR).

 

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Ion Iraizoz presenta su nueva pieza SIMULACRO→20-21ABR

20 y 21 de abril | S20.00, D19.00

Estreno en Madrid de la nueva creación de Ion Iraizoz junto a Gloria March.

 

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SIMULACRO o cómo ensayar la vida: esta pieza se centra en trabajar la ficción como algo que da forma a nuestra realidad. En la vida diaria creamos ficciones de nosotros mismos, proyectamos una imagen acorde a lo que nos gustaría ser o a la percepción que tienen los demás sobre quienes somos.

 

 

Lo que nos constituye como seres humanos es, básicamente, un relato, desde lo que nos contamos a nosotros mismos sobre quiénes somos, hasta las religiones, las empresas o las utopías políticas. Somos relatos en medio de otros relatos. Cuando olvidamos que son pura ficción perdemos el contacto con la realidad. Incluso, sacrificamos nuestra vida al servicio de los relatos de otros. Somos el resultado de las ficciones que nos contamos, somos hijos de lo que imaginamos.

 

En Simulacro dos personas tratan de imitar la vida, la capturan en el interior de una cámara de vídeo con el propósito de sentir o entender algo, y así estar preparados para lo que pueda venir en el futuro. Todo relato esconde la esperanza de una epifanía, de algo inesperado, de algún cambio, quizá por eso estas dos personas tratan de crear un relato nuevo, uno que responda a sus deseos y que encaje en este mundo de simulacros, donde la vida sucede de manera controlada, a una escala hecha a la medida de sus necesidades. Pero es como si a base de artificios y falsificaciones se hubieran olvidado de cómo conseguir que las cosas sucedan de verdad.

 

Cuando leemos un libro, a la mente no le preocupa corroborar la autenticidad de lo que está leyendo, simplemente quiere vivir ahí durante un rato y que nada le distraiga de ese lugar donde siente realmente y donde es capaz de reconocer la alegría, la tristeza, el enfado o las frustraciones de esas personas que viven en nosotros durante un rato. Los dos personajes de Simulacro, al igual que Truman en El Show de Truman o Vladimir y Estragón en Esperando a Godot, se entretienen en su pequeño mundo mientras buscan algún tipo de certeza o revelación.

 

→ Reparto: Ion Iraizoz, Gloria March
→ Dramaturgia: Ion Iraizoz, Albert Pérez, Gloria March
→ Mirada externa: Albert Pérez
→ Espacio escénico: Los Reyes del Mambo
→ Diseño de sonido: Adolfo García
→ Ayudante de dirección: David Mallols
→ Producción: La Caja Flotante
→ Dirección: Ion Iraizoz

 

Ion Iraizoz ha creado y producido siete espectáculos entre los que destacan “Simulacro”, “Catástrofe” y “Beautiful stranger”, piezas que sintetizan su trabajo desde que en 2012 estrenara “El círculo de tierra” en el Teatro Gayarre. Sus montajes combinan texto, audiovisual aplicado a la búsqueda de dispositivos escénicos originales y la creación de nuevas dramaturgias cuya temática gira en relación a la experiencia humana contemporánea.

Ha sido candidato a tres Premios Max, uno como autor revelación con «Simulacro» en 2024, y dos como Espectáculo revelación con “La esfera que nos contiene” en 2017 y “Catástrofe” 2019. Sus creaciones han sido programadas en el Centro Dramático Nacional, Muestra de autores contemporáneos de Alicante (2018, 2019 y 2021), sala Cuarta Pared, Centro Niemeyer, Teatro Gayarre, TEM de Valencia, Tabakalera de Donosti, Madferia, 948 Merkatua, Festival de Olite, Festival BAD, BLV-Art, FITT de Tarragona, Surge y el Corral de comedias de Alcalá de Henares, entre otros espacios y festivales. Además, ha sido compañía residente en los espacios Exlímite, Guindalera y Centro Huarte de Arte Contemporáneo.

Por unas artes escénicas vivas → carta de Mikolaj Bielski, director artístico de Réplika Teatro

Por unas artes escénicas vivas

No existe diversidad en los teatros madrileños. La inclusión de los grandes despertares de nuestro tiempo aparece meramente como “temas” en la mayoría de programaciones de los grandes centros financiados con dinero público. No hay rastro de creadorxs negrxs, migrantes, liminales, identitariamente extranjerxs. Ni rastro de representación en los grandes centros de la representación. 

Tampoco se encuentran, allí, autorxs que no tengan al texto como bandera. Y, si se encuentran, son anécdotas en un desierto narrativo. Desierto por lo homogéneo. Desierto porque la mirada es siempre desde un antes, un previo, un preexistente que legitima todo lo posible que esté por llegar. Un fantasma que presagia a un cuerpo. Un fantasma que hace arrastrar a lo posible sus cadenas. 

 

No hay afueras en los teatros madrileños. Cómo, sin ser afuera, va a ser posible ir de la mano de los tiempos. Cómo, sin ser también afuera, podremos ser críticos. Qué relato se está construyendo si no hay voces, adentro, que vengan de fuera. Si la medida es la vara. Si lo comedido es razón, como razones bien medidas tiene la administración, impermeable si no hay otrxs que, con su práctica, le digan: te quedaste atrás, pon en marcha tu acomodada maquinaria, has de responder ya a lo que hace diez años cambió.

 

Tenemos, en su lugar, aperturas atenuantes. La apertura como movimiento autocomplaciente; una fuga que refuerza la estanqueidad, que obliga a tratar a lo centrífugo solo como fuga. Un capricho en el territorio fortificado del teatro. Como si lo centrífugo no dijese nada del lugar del que parte / de su lugar de origen y contra el que existe / sobre el que toma impulso / sobre el que se eleva, creando nuevo mundo en su movimiento y haciendo aparecer, por su desplazamiento, nuevos centros. 

 

Qué futuro se quiere construir si quienes tienen espacio en los teatros madrileños son solo aquellxs con las ideas claras, con lugares encontrados. Qué futuro se puede construir contodolugaresencontrados. Construir un futuro, hacerlo realmente, es dejar espacio a quien tiene que encontrar todavía, a quien tiene que encontrarse en la práctica, con otrxs. Poner a su disposición los mejores recursos para que la búsqueda no sea supervivencia.

 

Entiéndase la dirección de esta carta. Hay muchxs, desde hace años, pensando y haciendo generosamente, intentando abrir espacio. Pero la responsabilidad de la diversidad no puede cargarse sobre espacios cuya línea de flotación es inestable.

 

¿Por qué creemos que el afuera no nos representa?

 

La discusión y el conflicto entre los teatros privados y los teatros públicos es pasado y presente. 

Me pregunto si para mirar al futuro debemos pensar en qué creemos sin que la discusión y el conflicto lo acapare todo, para que las tensiones no se vuelvan casposas. Para que la discusión sea fértil. Para que aquellxs que llevamos realizando una labor pública tantos años podamos arriesgar sin ponernos en juego.

 

¿En qué creemos de lo público? ¿En qué cree lo público de nuestra labor?

 

Esta carta no es un grito al aire, es una declaración de intenciones, una promesa. La promesa de que otro paisaje es posible. Un paisaje cultural más permeable, diverso y arriesgado.

 

No es suficiente, no está siendo suficiente.

 

La apertura no puede ser anécdota, no puede ser excepcional. Las instituciones públicas deben entender que muchxs de nosotrxs queremos y debemos hacer más, pero que esto, en este momento cultural, es imposible sin el entendimiento y el apoyo real de lo público.

Las instituciones lanzan ayudas a la creación y a la programación. La propia palabra “ayuda” ya nos aleja de cualquier diálogo horizontal y con futuro. 

 

Romeo Castellucci llega a Réplika Teatro, una más de las muchas salas privadas de pequeño/mediano formato en la ciudad de Madrid, todas dependientes del dinero público. Esto es, para el gremio, seguramente, un pequeño hito. Este hito significa muchas cosas pero, sobre todo, la demostración de que un espacio, público o privado en este caso, puede desbordarse. Significa que es posible que cosas que nunca han ocurrido puedan ocurrir. Significa que el deseo bien organizado puede transformar un espacio, a unxs artistas, a un público.

 

Lo público no puede ser un muro, un cierto enemigo. No tiene sentido, no puede ser así. Reimaginar los ecosistemas culturales es necesario y urgente, y debemos hacerlo entre todxs.

 

Nuestro deseo es buscar nuevos centros donde la diversidad del arte contemporáneo gravite. La nueva creación contemporánea no es sólo una fuga, el deseo no está al margen de un espacio y las promesas no son de aquellxs que piensan que todo es posible. No todo es posible, pero tampoco está todo perdido.

 

Nada tendría sentido sin un anhelo compartido entre artistas y teatros. Si nuestro anhelo no fuese el mismo que el de muchxs artistas que han pasado por nuestro teatro, este teatro, Réplika, no sería posible. Si nuestro anhelo no fuese compartido con lxs artistas, no tendríamos ahora este teatro. Una pulsión sostenida por Socorro y Jarek durante más de tres décadas. Porque para que ahora podamos decir esto, ellos han hecho entonces. Porque siempre somos herencia y acogida.

 

Un teatro no puede existir para sobrevivir.

 

Un teatro es otra cosa. Un deseo real, una realidad del deseo, algo que deberíamos imaginar y reconstruir ininterrumpidamente.

 

Este movimiento pone en marcha una fe que reza: ojalá poder programar fuera de los cánones; ojalá poder programar poniendo en crisis el espacio de representación sin poner en crisis la supervivencia de nuestro espacio.

 

Creo que nuestra labor desde fuera de lo público es tensar continuamente a lo público, para acercarlo a los tiempos, aunque la consecución de esa concomitancia sea, por siempre, una aporía.

 

Los próximos 12, 13 y 14 de abril, en un teatro privado de mediano formato, sostenido en el tiempo por el ahínco de una familia, acontecerá una tensión que es una oportunidad para pensar de nuevo qué circuito tenemos y qué circuito debemos construir.

 

Lo que nosotrxs hacemos desde Réplika es, a todas luces, insuficiente, pero sí puede, al menos, alumbrar un camino posible donde la apertura permee.

 

 

Mikolaj Bielski

Director artístico de Réplika Teatro

Encuentro online con ROMEO CASTELLUCCI → 10ABR

El próximo miércoles 10 de abril a las 13.00h tendrá lugar en Réplika Teatro un encuentro online con Romeo Castellucci. La cita contará con la participación en sala de Antonia Blau (directora del Goethe Institut-Madrid) y Mikolaj Bielski (director artístico de Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación). Romeo Castellucci intervendrá telemáticamente. 

 

El encuentro, abierto al público general y a prensa, se celebra con ocasión del estreno en Madrid de la obra Il Terzo Reich, que podrá verse en Réplika Teatro los días 12, 13 y 14 de abril. 

 

Acceso libre hasta completar aforo. 

 

Para los que no puedan asistir, el encuentro se retransmitirá en directo a través del Canal YouTube de Réplika Teatro

 

Se permitirá la intervención de los asistentes en sala a través de una ronda de preguntas.

 

 

 

 

Fotografía de Romeo Castellucci: Luca del Pia

Cuerpo, identidad y discurso en el regreso de ÉSKATON → 5-7ABR

5, 6 y 7 de abril | V21.00, S20.00, D10.00

La agrupación artística ÉSKATON vuelve a Réplika Teatro con su pieza sobre el cuerpo, el discurso y la identidad con autoría de Miguel Deblas y George Marinov.

 

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La pieza comienza con un particular y ridículo vídeo-contrato que los performers han grabado en mitad de la noche, en un bosque, subidos a un burro. Como en un documento oficial, exponen su compromiso con la escena, casi a la manera en que lo hacen las actrices y los actores de cine porno; o cómo cuando alguien decide participar en un experimento para la investigación científica; o como cuando alguien se alista en un ejército, entregando su cuerpo a una causa ajena, dejando de lado las voluntades y deseos propios. Por curiosidad, por diversión, por la angustia de una vida que no cambia, por la desazón de sentirse profundamente débil en este mundo.

 

Ahí comienza un camino hacia la descomposición. Dividido en tres ejercicios, donde cada cuerpo se relaciona de una forma diferente con el discurso que le ha construido.

 

Cada cuerpo atraviesa un “ejercicio” formado por prácticas que oscilan entre lo doloroso y lo placentero, confundiéndose lo uno con lo otro. Cada ejercicio aborda el peligro que supone desmantelar a ese cuerpo del discurso.

 

En Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía la escena constituye un paralelismo con el encuentro físico, el encuentro cuerpo a cuerpo, donde el peligro es potencia. Exaltar ese peligro es exaltar la potencia.

 

Esta potencia es la del cambio de forma, de figura, la de la metamorfosis.

 

→ Dirección, espacio escénico, iluminación y vestuario: Miguel Deblas Escera y George Marinov
→ Dramaturgia: Miguel Deblas Escera
→ En escena: Miguel Deblas, George Marinov y Júlia Solé
→ Espacio Sonoro: Cristina Manuela en colaboración con Rachel Heavey
→ Sound Destruktor: Víctor Heitzmann
→ Prensa y comunicación: Javier González (Adiria)
→ Con la colaboración de El Consulado (Valencia)
→ Una producción de Réplika Teatro

 

Miguel Deblas y George Marinov son artistas residentes en Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación. Junto a Óscar Nieto forman ÉSKATON, cuya primera obra, Cicuta Contagiosa, fue producida por Réplika Teatro y estrenada en abril de 2021.

 

La agrupación artística ÉSKATON, con base en Madrid, se dedica a la investigación artística utilizando lo escénico y lo performativo como potencia y obstáculo. La doble acepción de la palabra “escatología” encauza y rige su forma de trabajar. Por un lado, lo asqueroso, los desechos, los excrementos, lo despreciable, y, por otro lado, todo lo que se acaba, se muere, se ultima.

 

Hasta ahora han presentado las piezas de Cicuta ContagiosaSymposium – In vino veritasEjercicios militares para confundir éxtasis con agonía y La poesía y el discurso.

 

eskaton.es

IG: https://www.instagram.com/eskaton_/