24-25 de febrero | S20.00, D19.00
Escénicas

La artista gaditana Rosa Romero presenta por primera vez en Madrid su pieza «Soy un baile».

→ Creación, dramaturgia e interpretación: Rosa Romero

→ Música y espacio sonoro: Pitu García y David González

→ Iluminación: Benito Jiménez

→ Sonido en directo: David González

→ Vestuario: Gloria Trenado

→ Ingeniería: Pablo Pujol

→ Bordados: Debaga

→ Asistencia en dramaturgia: Alberto Cortés y Jaime Conde-Salazar

→ Asistencia en cuerpo: Silvia Balvín

El cuerpo se me desdibuja y aparece el deseo de ser otra cosa, un estriptis, un show de transformista, un número de folclórica, un simulacro de otro plano de existencia donde los cuerpos puedan ser sonidos, objetos o un baile. La mecánica sistémica actual capitaliza los cuerpos hasta tal punto, que hace que la única forma posible de contratacar sea destruirlos. Para ello sería necesario inventar nuevas alternativas de cuerpo, nuevas cajas donde encerrarlo y nuevos métodos para que sigan siendo entes vivos y sensibles no materializados en la fisicidad. Ser un baile debería ser una forma digna de cuerpo.

En esta búsqueda, sobre nuevas formas de existencia menos dolorosas, me encontraba, cuando me di cuenta de que el título de este trabajo estaba funcionando como un conjuro. En el ejercicio de hacer desaparecer el cuerpo, este se hace más nítido, más presente que nunca. Un título en presente, aleja la idea de un cuerpo en proceso, a la espera de ser validado y aparece un cuerpo que ya es y que baila para reivindicarse.

De la misma forma, como una revelación, se cruzan en mi vida las relaciones paterno filiales con sus cuidados de protección de los cuerpos y de nuevo el deseo de trascender. Ojalá mis padres se transformen en otra cosa que no sea mortal, ojalá no hubiera cuerpo, o que se haga tan presente que no se vea. Me he inventado una ficción para entenderlo.

ROSA ROMERO es actriz y creadora gaditana licenciada en arte dramático (ESAD Málaga, 2004 – 2008), en esta ciudad trabaja en compañías jóvenes como Bajotierra o La Mordiente con las que comparte el interés por la creación y la experimentación escénica. Durante este periodo malagueño estudia regiduría en el Centro de Formación Escénica de Andalucía y colabora en la creación del festival de escena alternativa, El Quirófano. Tras pasar por la Escuela de Interpretación de William Layton (Madrid, 2013), vuelve a su ciudad natal, San Fernando, donde crea y coordina Estratería, un proyecto asociativo y de mediación a través de las artes escénica. En 2014, inicia el camino hacia la creación personal poniendo la atención en el cuerpo, la recuperación del baile heredado y la comunicación bruta con los espectadores.

En 2018 estrena su primer solo, «Esta no es la vida privada de Rosa Romero». En 2020, es seleccionada como residente en La Caldera (Barcelona) con «DEBUT», pieza que estrena en enero de 2021. «Soy un baile» se estrena en septiembre de 2023, trabajo con el que recibe los premios a mejor intérprete y mejor espectáculo revelación 2023 de la asociación andaluza de profesionales de la danza. Actualmente reside en Sevilla donde ha trabajado en proyectos como «Pelo de trol» con Silvia Balvín o «Estación espacial» junto a Alberto Cortés y Álex Peña, producida por Teatro de la Abadía para el ciclo Teatro confinado (2020). «La escuela del sur», es uno de sus últimos proyectos creado y dirigido junto a Alberto Cortés, en colaboración con el FIT y la fundación Siemens. Un espacio de encuentro para artistas escénicos contemporáneos de la provincia de Cádiz.

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Estreno absoluto del último trabajo de la artista Celeste González, producido por Réplika Teatro y la colaboración del Goethe-Institut Madrid

Ya no tengo nada. Estoy muerta. Lo noto. Tráigame una caja. Apresúrese. Tengo el cuerpo ardiendo. ¿Le duele haber perdido el corazón? Vente corriendo a verme, quédate conmigo, dame lo que sea.

Marguerite Duras

En junio de 2023 un doctor de un centro de salud gallego llamado doctor Sueiros, realizándome una ecografía ordinaria del abdomen por unas molestias e hinchazón en el estómago me dijo: – “Señora, ¿usted no se ha quedado preñada nunca verdad?” A lo que respondí que no. – ¡¡¡Es que tiene usted un útero muy pequeñajo!!!! Dijo. Me quedé muda. Sonriendo incrédula y extasiada. La ciencia, casi cuando ya no queda nada, descubre al animal que lleva viviendo en mi más tiempo del que me queda por vivir. 

La idea principal es que la enfermedad se relaciona con un órgano femenino muy concreto, el útero, que no tiene lo que desea y en consecuencia se desplaza de manera imprevista por el cuerpo.

En la Antigüedad Clásica muchos filósofos abordaron el tema de la Histeria. Entre ellos el gran Platón que afirma en Timeo, Diálogos: “En las mujeres lo que se llama matriz o útero es un animal que vive en ella con el deseo de hacer hijos. Cuando permanece mucho tiempo estéril después del periodo de la pubertad apenas se le puede soportar pues se indigna, va errante por todo el cuerpo, bloquea los conductos del aliento, impide la respiración, causa una molestia extraordinaria y ocasiona enfermedades de todo tipo”. Otros como Hipócrates y Galeno utilizan este concepto en sus escritos para dar explicación a las patologías femeninas.

(¿Un útero atrofiado se vuelve más histérico?)

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Celeste González (1962 ) Nace en Las Palmas de Gran Canaria. Empieza a estudiar ballet en la transición a finales de los 70. Su propia transición la inicia unos 30 años después, a la edad de 50. De un tránsito a otro, baila, actúa, escribe, folla e incluso trabaja como operaria en una fábrica de licores propiedad de la familia. Fue premiada, muerta y resucitada. En estos momentos siente que no sabe si insistir es resistir o si no sería mejor dejarlo todo, rendirse y dedicarse a otra cosa. Pero a qué?????

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Dos días de conversatorios con distintos profesionales del mundo de la danza y muestra de trabajos escénicos

VOLVER A INVENTARSE A DIOS

Jesús Rubio Gamo
9 de diciembre | S19.30 | Escénicas 

Apertura de proceso del último trabajo del coreógrafo y bailarín Jesús Rubio Gamo, dentro de las Jornadas sobre coreografía: fugas, subjetividades y acuerdos.

→ Un proyecto de Jesús Rubio Gamo
→ Danza: Eva Alonso, Clarisa Costagliola, Joan Ferré, Diego Pazó, Gonzalo Peguero, Roberto Provenzano, Raúl Pulido, Luna Sánchez, Paula Santos, Olaia Valle.
→ Composición musical y música en directo: Luz Prado

Las signaturas de todas las cosas estoy aquí para leer (…) signos coloreados. Límites de lo diáfano. Pero añade él: en los cuerpos.
James Joyce, Ulises.

Pienso la danza como un lugar de movilidad del ser al que acercarse, como un deseo de conocimiento profundo, de fusión con el tiempo y el espacio; como una promesa de plenitud. Cuando uno es un niño y decide bailar, ya lo presiente. Observa a los que bailan y percibe asombrado ese estado excepcional. Luego nos pasamos años buscando la escalera. Hay que probar caminos, técnicas, códigos. Pero los caminos, las técnicas y los códigos son sólo estructuras frágiles y, aunque albergan en algún lugar todas las experiencias, los trances, las posesiones y las plenitudes de los que nos precedieron, no nos ofrecen el lugar de llegada inmediatamente. Cada una tiene que encontrar sus maneras, sus umbrales. Hay que rondar esos caminos con la ilusión de que nos sirvan, pero sabiendo que quizá no pase. Aun así, no se puede perder la fe. Por eso necesito seguir buscando, componiendo pequeñas estructuras que me sirvan como rito: formas particulares de andar con otros, de saltar, de girar, de encadenarse;  de entornar los párpados en un ángulo concreto, de abandonar el peso o de servir de sostén. Lo único que yo puedo hacer es comprometerme con esas estructuras con el anhelo de que me lleven a experimentar algo de lo que somos; que me guíen en la búsqueda de un dios que nos quepa en el cuerpo.

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MÁS ALLÁ DE LA PIEL

Marina Santo
10 de diciembre | D20.00 | Escénicas 

Presentación de la primera obra de la coreógrafa, bailarina y docente Marina Santo, dentro de las Jornadas sobre coreografía: fugas, subjetividades y acuerdos.

Más allá de la piel es una pieza de danza contemporánea creada y dirigida por Marina Santo que se configura como un homenaje a la comunidad de personas racializadas.

En tiempos donde cuerpos no blancos tienen poca o ninguna representatividad en la escena cultural en Madrid y otros espacios de prestigio / poder, el proyecto nace como respuesta a la necesidad de visibilizarnos también dentro del código contemporáneo de la danza.

→ Creación y dirección: Marina Santo

→ Asistencia dramatúrgica y coreográfica: Poliana Lima

→ Intérpretes: Benia Nsi Ngua, Julio Hu, Natasha Ortiz & Malvin Montero

→ Diseño de luces: Pablo Seoane

→ Espacio sonoro: Miguel Zamora

→ Fotografía y audiovisual: Megane Mercury

→ Diseño gráfico: Génesis Valenzuela

→ Ponentes invitadas: Patricia Roccu & Jeannette Tineo

→ Producción: Isabella Lima

Las cuatro personas que forman el reparto fueron seleccionadas tras un ciclo de talleres de conciencia corporal e investigación de movimiento impartidos por Marina, exclusivamente destinado a la población migrante y diaspórica residente en Madrid.

A través del cuerpo de Benia, Natasha, Julio y Malvin el público es testigo de la afirmación de sus existencias, de sus vulnerabilidades y de sus potencias tanto a nivel individual como colectivo. Lejos de un relato narrativo linear, la pieza ocurre en un tiempo donde pasado y futuro se mimetizan con un presente bañado por el universo sonoro diseñado especialmente por el músico Miguel Zamora Sánchez.

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JORNADAS SOBRE COREOGRAFÍA: FUGAS, SUBJETIVIDADES Y ACUERDOS

Dentro de las Jornadas, comisariadas por Jesús Rubio Gamo y Mikolaj Bielski, se llevarán a cabo después de cada función un conversatorio.

CONVERSATORIO I

Modera: Jaime Conde-Salazar

Participa: Jesús Rubio Gamo, Ana Botía, Clara Pampyn

CONVERSATORIO II

Modera: Poliana Lima

Participa: Marina Santo, Jesús Rubio Gamo, José Ramón Hernández

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La coreógrafa y bailarina Poliana Lima presenta en Réplika Teatro su último trabajo, Oro negro, estrenado el pasado noviembre en el Festival de Otoño de Madrid.

Oro negro se construye a través de la metáfora del petróleo para asociar poéticamente el proceso excavación de un tesoro con la puesta en valor de elementos e identidades que fueron negados y excluidos en la cultura occidental hegemónica. En Oro negro el cuerpo es el instrumento que excava y el objeto excavado donde se revela lo demoníaco: la carne blanda, vulnerable y perecedera, lo erótico femenino desde la perspectiva del deseo de una mujer, la negritud y lo popular.

Oro negro concibe el cuerpo como territorio de memoria viva, lugar donde se articulan y se permiten leer las dimensiones biográficas, familiares y comunitarias, las socio-culturales y míticas y espirituales. Esta concepción del cuerpo permite la exploración de las huellas de los procesos tácitos de transmisión de los hábitos, costumbres, violencias, dolores y goces a lo largo de varias generaciones. Explorando estas múltiples dimensiones identitarias, culturales y temporales que conforman el cuerpo como un conglomerado diverso, inestable y dinámico, Oro negro roza y utiliza los clichés para culminar con un desbordamiento en el que la mirada del espectador se ve obligada a posicionarse.

→ Dirección, concepción y coreografía: Poliana Lima
→ Bailarines: Poliana Lima y Miguel Ángel Chumo Mata
→ Dramaturgia: Javier Cuevas
→ Asistente de coreografía: Lucas Condró
→ Diseño de iluminación: Carlos Marquerie
→ Diseño de sonido: Óscar Villegas
→ Música original: Pablo Sánchez
→ Diseño de vestuario: Carmen 17
→ Maquillaje: Sara Abigail Álvarez
→ Fotos y audiovisuales: Álvaro Gómez Pidal
→ Diseño gráfico: Cintia Ramírez
→ Mediación: Marina Santo
→ Coordinación técnica: Cristina Bolívar
→ Producción: Isabella Lima
→ Ayudante de producción: Diego Carrasco
→ Comunicación: Cultproject
→ Redes sociales: Adrián Pulido
→ Distribución: Coro Bonsón
→ Coproducción: Poliana Lima y Mapas Fest
→ Colaboradores: Festival de Otoño, Ayuntamiento de Madrid, Azcuna Zentroa, Ayuntamiento de San Cristóbal de la Laguna, Auditorio de Tenerife

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Diciembre: danza contemporánea de la mano de Poliana Lima, Jesús Rubio Gamo y Marina Santo junto al estreno de la última pieza de Celeste González

Además, tendrán lugar por primera vez en Réplika Teatro las Jornadas sobre coreografía comisariadas por Mikolaj Bielski y Jesús Rubio Gamo, y en las que participarán también Jaime Conde-Salazar, Poliana Lima, Ana Botía, Clara Pampyn, Marina Santo y Jose Ramón Hernández.

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Proyecto financiado por el INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte.

Financiado por la Unión Europea-Next Generation EU.

24 de noviembre | V21.00
Sonoridades 

La artista, compositora y productora checa Never Sol, aka Sára Vondrášková, llega por primera vez a Madrid para presentar su directo de la mano de la sexta edición de FLIPAS · Laboratorio de Culturas Urbanas.

En su práctica musical se interesa principalmente por la combinación de voces y sintetizadores. En busca de la deconstrucción de las formas, impulsada e inspirada por sonidos ásperos, ruidosos y afilados con elementos oscuros y ásperos de drone, explora la relación entre la fragilidad y la masividad del sonido y considera que el tiempo y el trabajo con el tiempo son el elemento crucial y el eje a la hora de crear un contexto y un entorno emocionales para el oyente.

Never Sol crea composiciones melancólicas basadas en paisajes sonoros de sintetizador en capas, melodías oscuras envueltas en toneladas de reverberación, con voces espesas pero delicadas. Derritiéndose en las superficies de los drones, pero cortando profundamente con elementos distorsionados y ruidosos. Intrincadas progresiones de acordes, sintetizadores y voz son los pilares de su producción musical.

Flipas · Laboratorio de Culturas Urbanas pretende promover el conocimiento y la práctica de distintas expresiones de cultura urbana entre los jóvenes, entendiendo ésta de un modo amplio e integrador. Edición tras edición, FLIPAS pretende conectar a multitud de artistas internacionales y locales a través de residencias artísticas, encuentros profesionales y talleres impartidos para, y junto con, adolescentes y colectivos específicos en Madrid y sus alrededores.

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25 y 26 de noviembre | S25 20.00, D26 19.00
Escénicas 

Marina Otero vuelve a Réplika Teatro con su última pieza, Love me, creada junto a Martín Flores Cárdenas y que ya pudimos ver la temporada pasada de la mano del Festival de Otoño.

→ Performer: Marina Otero
→ Texto y dirección: Marina Otero y Martín Flores Cárdenas
→ Diseño de luces: Matías Sendón
→ Fotografía: Nora Lezano
→ Ilustraciones: Martín Flores Cárdenas
→ Producción: Mariano de Mendonça y Casa Teatro Estudio
→ Distribución en España: Timbre 4 – PTC Teatro

Espectáculo producido en 2022, en el marco del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) & Producción ganadora del Premio Banco Ciudad 2021.

Love Me, la última obra hasta la fecha de Marina Otero, en este caso escrita junto a Martin Flores Cárdenas, vino después de Fuck Me. Después del sexo, el amor. El sexo es cuerpo. El amor no es tanto cuerpo como tiempo. El reverso de la fuerza. El cuidado. Todo el proceso creativo de Fuck Me tuvo lugar en la cama, pero no porque Marina estuviera cogiendo (fornicando, jodiendo, folgando, trajinando) sin parar, sino porque estaba en el hospital después de ser operada de una grave lesión de la columna vertebral: “Me grababa audios porque no podía sentarme a escribir. Tampoco pude aprenderme los textos de memoria. Iba de la cama al ensayo y del ensayo a la clínica. Le puse Fuck Me porque durante ese proceso nunca cogí”.

Fuck Me se estrenó justo antes del parón pandémico, durante el cual Marina se recuperó y empezó a subirse por las paredes, claro. Así que llamó a su amigo Tato, el dramaturgo y director también argentino Martín Flores Cárdenas, y empezaron a hablar de hacer algo, y juntos establecen la forma y la estructura de una obra en la que el riesgo, de pronto, está no tanto en el extremismo físico, sino en la radical quietud. Se llamó Love Me.

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ESTRENO EN MADRID. Espectáculo del 41 Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid. Después de estar en residencia la pasada temporada en Conde Duque y en la propia sala Réplika, Macarena Recuerda Shepherd (nombre artístico de Lidia Zoilo) vuelve a Madrid para estrenar su última pieza, tras mostrarla en Azkuna Zentroa de Bilbao, La Mutant de Valencia o Antic Teatre de Barcelona. Este último espacio es responsable de la producción de esta, Cosa, la pieza que cierra la trilogía sobre el ilusionismo que comenzó en 2017, una investigación que llevó a la creadora a pensar cómo la ilusión conecta con la esencia de lo teatral, exponiendo sobre la escena la convención y la magia, la realidad y su doble, la acción y la ficción, y que dio como resultado antes las obras ¡AY! ¡YA!, en 2018, sobre las imágenes perceptivas pensadas desde el cuerpo, y The watching machine (2020), sobre las imágenes perceptivas pensadas desde la luz, la sombra y el reflejo.

En Cosa. Intervenir un cuerpo, la investigación se ha centrado en las imágenes perceptivas desde lo escenográfico, para lo que se ha pensado el cuerpo como un material más, cosificándolo hasta convertirlo en atrezzo. Se trata, en definitiva, de una pieza de danza compuesta por un cuerpo de baile objetual.

→ Idea original: Macarena Recuerda.
→ Creación: Macarena Recuerda, Jorge Dutor, Maia Villot y George Marinov.
→ Intérpretes: Macarena Recuerda y Maia Villot.
→ Asistente coreográfico: Jorge Dutor.
→ Vestuario: Jorge Dutor.
→ Iluminación: George Marinov.
→ Una producción de: Antic Teatre (Barcelona).
→ Con la colaboración de: Gobierno Vasco, Azkuna Zentroa (Bilbao), Conde Duque (Madrid), La Caldera (Barcelona), Réplika Teatro (Madrid), Harrobia (Bilbao), Zornotza Aretoa (Bizkaia) y D8 Sorkuntza Faktoria (Bilbao).

“La pieza -escribía el crítico catalán Oriol Puig Taulé- es tranquila y monocromática como un desierto, color de arena. Pero, como el Sáhara, también puede esconder diversas maravillas. Formaciones arquitectónicas que recuerdan un zigurat, seres mitológicos hechos con tubos, monstruos-títere o títeres-monstruo, según se mire”. La pieza podría adscribirse a una filiación eminentemente mediterránea de trabajo sin palabras y con objetos que pasa por Joan Brossa y Carles Santos y hasta por la resignificación humorística de la fotografía de Chema Madoz, y desde luego dialoga en la contemporaneidad con creadoras como Miet Warlop o Diana Gadish y el trabajo objetual de Azkona & Toloza. En suma, Cosa. Intervenir un cuerpo, ha buscado, como la propia Macarena dice, una sensación de extrañamiento frente a la tradicional imagen evocadora que alude a algo: “¿Y si no existiera ese referente al que alude lo evocado? ¿Y si fuera una imagen generadora por sí misma, sin anclajes claros?” Una sugerente invitación a mirar con ojos nuevos y sentir no desde la palabra o la emoción, sino desde la materia.

TARIFA COMBINA: Si tienes comprada otra entrada del 41º Festival de Otoño elige esta tarifa a la hora de comprar tu entrada para «COSA. Intervenir un cuerpo» y accede a un precio reducido de 10€.

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Mateo Feijóo y Anto Lloveras estuvieron la temporada pasada presentando en Réplika Teatro su pieza bicéfala DOBLE CARA, donde los dos artistas representan simultáneamente una coreografía individual que convergen en el espacio, el tiempo y la mirada de cada espectadxr. Después de la presentación de la pieza hablamos con ellos sobre el movimiento y los estereotipos en la danza y del panorama de las artes escénicas nacional.

→Entrevista realizada por Ana Botía

→Edición: Manuel Pita-Romero y Miguel Deblas

TEMPORADA 2022/2023

Proyecto financiado por el INAEM, Ministerio de Cultura y Deporte.

Financiado por la Unión Europea-Next Generation EU.