Este taller ofrece herramientas para pensar la relación entre experiencia, arte y sociedad, poniendo en diálogo herramientas de la filosofía, la teoría crítica y la práctica artística. Dirigido a artistas, estudiantes y personas interesadas en pensar la relación entre experiencia, práctica artística y cultura contemporánea desde una perspectiva crítica.

→ Impartido por: Carmen Quismondo, Oriol Alegría, Ares Bordes Lladós, María Salto Perea (comisariado por Lucía Díaz-Tejeiro)
→ Duración: 22,5 horas
→ Fechas: del 13 al 17 de julio
→ Número de plazas: 20
→ Horario: de 16:00 a 20:30h
16:00 a 16:45h: Calentamiento físico colectivo - Carmen Quismondo (es necesario llevar ropa de deporte)
16:45 a 18:15h: Experiencia, arte y sociedad — Oriol Alegría
18:45 a 19:15h: Pausa y visionado de imágenes con María Salto Perea
19:15 a 20:30h: Remedios caseros contra la industria cultural — Ares Bordes
→ Precio: 130€ / alumnxs actuales de Réplika Teatro 110€

→ Inscripciones: escribir email a laboratorio@replikateatro.com
→ Abierta matrícula hasta completar el cupo máximo de alumnxs por curso.
→ Las plazas se asignarán por orden de inscripción.
→ Para formalizar la matrícula es necesario abonar el importe del taller en el momento de la inscripción como reserva de plaza.

Las jornadas se iniciarán cada día con una sesión de calentamiento físico colectivo dirigido por Carmen Quismondo. Serán 45 minutos de preparación física para el pensamiento, para activar el cuerpo. Es necesario llevar ropa de deporte. Seguidamente tendrá lugar la clase con Oriol Alegría “Experiencia, arte y sociedad” donde se recorrerán puntos relevantes para pensar la relación entre la experiencia subjetiva, el arte y su incidencia en la realidad social. A partir de la lectura de fragmentos, se propondrá un diálogo entre filosofía, antropología, sociología y urbanismo. Se trabajarán conceptos básicos para una fenomenología de los cuerpos, su movimiento y su percepción (mundo vivido, aisthesis, afecto), así como la relación entre experiencia y movimiento, experiencia y espacio, experiencia y atmósfera, y experiencia y sociedad. Se abordarán cuestiones como qué significa moverse o performar, cómo la distribución del espacio genera jerarquías, cómo se construyen atmósferas, y qué relación hay entre experiencia estética, norma social y movilización. 

Día 1: Conceptos básicos para una fenomenología de los cuerpos, de su movimiento y de su percepción. Conceptos de Mundo Vivido, Aisthesis, Afecto y más. Fragmentos de Edmund Husserl, Hermann Schmidt, Jacques Rancière, Sara Ahmed, Catherine Malabou… 

Día 2: Experiencia y movimiento. Fragmentos de Erica Fischer-Lichte, Joan Copjec, María del Rosario Acosta, Adriana Cavarero. Qué le dice el movimiento a nuestro cuerpo. Qué relación hay entre la sensibilidad y las acciones. Qué significa actuar, moverse, performar. 

Día 3: Experiencia y espacio. Fragmentos de Stavros Stavrides, Frederic Jameson, María García, y Urbanistas (Pier-Vittorio Aureli, Robert Venturi, Rem Koolhas, Albert Garcia-Espuche). Cómo la distribución del espacio puede generar jerarquías. Cómo el diseño del espacio nos hace actuar de diversos modos. 

Día 4: Experiencia y atmósfera. Fragmentos de Tonino Griffero, Jan Slaby, Antropología clásica (Roy Rapapport, Marcel Mauss) y contemporánea (David Graeber, Michael Lambek). Percepción de normas, recursiones, saturación estética, ritualidad y fetiches. Cómo se construyen atmósferas salientes. Y cómo se construyen atmósferas no salientes. 

Día 5: Experiencia y sociedad. Fragmentos de Gabriele Klein, Jacques Rancière, Laura Quintana. Qué quiere decir pertenecer. Qué relación hay entre experiencia y norma social. Qué relación hay entre experiencia estética y saber. Y entre experiencia y movilización social. 

Entre las dos clases, se irá a una pausa con visionado de imágenes con María Salto Perea. Este momento consiste en la sucesión de imágenes proyectadas como espacio para la reflexión propia y descanso de la teoría. 

La siguiente clase impartida por Ares Bordes, “Remedios caseros contra la industria cultural” se tratará de un tiempo para reflexionar acerca de nuestro consumo cultural y cómo hacer frente a las imposiciones de la industria. El objetivo principal es generar un espacio de intercambio y de reflexión para entender de qué manera nos relacionamos con los productos culturales. 

A lo largo de las sesiones se abordarán los siguientes contenidos: 

Día 1: ¿Qué es la industria cultural?: La industria cultural como entramado administrado que produce mercancías culturales. Su función de integración a través del entretenimiento y su promesa de felicidad. 

Día 2: El artista como diseño de sí mismo: El concepto de pseudoindividualización en Adorno. Las diferencias superficiales sobre una base estandarizada. El artista como producto de sí mismo y la gestión de la personalidad como capital simbólico. 

Día 3: Caso ejemplar: la industria musical. Los mecanismos de estandarización y escucha regresiva. Cómo se construyen los gustos de consumo entre mainstream, underground y aparato publicitario. 

Día 4: Contra la crítica cultural: Crítica a la posición del crítico como exterior. Propuesta de una crítica inmanente que piense desde dentro de las contradicciones del objeto, evitando la nostalgia de la alta cultura y la romantización de la cultura popular. 

Día 5: ¿Hay alternativa?: Apertura de la pregunta por la posibilidad de escapar de la industria cultural o moverse dentro de ella con mayor lucidez. Autogestión, redes alternativas, lo amateur y la recuperación del placer de elegir sin mediación algorítmica. 

Carmen Quismondo (Madrid, 1995) es intérprete y creadora escénica. Su trabajo se sitúa en el ámbito de la investigación artística y del pensamiento contemporáneo, entendiendo la práctica escénica como un espacio de diálogo entre la filosofía y el arte. Sus piezas exploran, a través del movimiento, las relaciones entre el cuerpo, la memoria y el rito como lugares de resistencia y de construcción de identidad. Entre sus creaciones destacan Sudario (2024), presentada en DT Espacio Escénico, las Residencias La Gascona y residencias Centro Coreográfico Canal; El infierno son las otras (2023), exhibida en el Festival Radicales Libres; Páramo (2022), desarrollada en residencia en el Centro Coreográfico María Pagés y presentada en StripArt Barcelona; Friso (2023), encargo de la Fundación AISGE y la SEdeM; y Proserpina (2020), realizada en residencia en TeatroLab Madrid.
Paralelamente, desarrolla trabajos de videocreación como Ham-Burguesa, reconocida en los Premios Madroño 2021 (INJUVE) y exhibida en el Festival Internacional We:Now, y Santiña, presentada en Puebla Film Fest 2022. Es directora artística de Proyecto Páramo, iniciativa que articula creación contemporánea y mediación cultural en contextos rurales, apoyada por INJUVE en 2024.
Como ayudante de dirección ha colaborado con la compañía La Phármaco en Somos la guerra, de Luz Arcas, y en Tristes, de Alberto Fonseca. Como actriz ha participado en festivales nacionales e internacionales como Fringe Festival, META Firenze, Veranos de la Villa, Festival de Almagro, Clásicos de Alcalá, Festival de Olmedo o L.A Escena Festival, además de trabajar en espacios como la Fundación Juan March y la Exposición Universal de Dubái.
Actualmente cursa el Máster en Estética Contemporánea en la Universidad Complutense de Madrid. Es graduada en Interpretación Textual por la RESAD y ha realizado el Máster en Pensamiento y Creación Escénica Contemporánea en la ESAD de Valladolid. Su formación incluye estudios con Claudia Castellucci en el Istituto di Ricerca di Arte Applicata y la Scuola Cònia, además de una amplia trayectoria en danza clásica, flamenco y contemporánea.

Oriol Alegría (Barcelona, 1995) es filósofo e investigador especializado en teoría política contemporánea, estética y pensamiento crítico. Actualmente es candidato predoctoral en la Universidad Complutense de Madrid, donde desarrolla una investigación sobre el pensamiento político de Jacques Rancière en relación con problemas contemporáneos del pensamiento marxista, especialmente en relación con la esfera pública y las formas de emancipación. Su trayectoria académica combina filosofía, estética y política desde una perspectiva interdisciplinar. Es graduado en Estudios Literarios y en Filosofía por la Universitat de Barcelona, donde investigó cuestiones vinculadas a la performance, el urbanismo y la transmisión epistémica en democracias liberales. Posteriormente cursó el Máster en Filosofía Política en la Universitat Pompeu Fabra con una investigación centrada en igualdad de oportunidades y bienes posicionales.
Ha sido investigador JAE-Intro en el Instituto de Filosofía del CSIC, desarrollando un trabajo sobre neosentimentalismo moral e inteligencia artificial. También realizó una estancia de investigación en la London School of Economics. Sus publicaciones y ponencias abordan temas la como performatividad política, el fetichismo, la violencia revolucionaria, la igualdad de oportunidades o teoría de los afectos, participando en congresos y encuentros académicos en varias universidades de ciudades como Londres, Manchester, Pavía, Milan, o Braga.

Ares Bordes Lladós (Lleida, 1997) es investigadora y filósofa especializada en estética, teoría crítica y filosofía de la música. Estudió Filosofía en la Universitat de Barcelona y posteriormente realizó el Máster en Estudios Avanzados en Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid, donde actualmente desarrolla un doctorado centrado en el pensamiento de Theodor W. Adorno y las relaciones entre música, técnica y experiencia estética.
Su investigación aborda los vínculos entre producción musical, tecnología y teoría estética, incorporando cuestiones relacionadas con la escucha, lo sonoro y las formas contemporáneas de creación. Influida por la tradición de la Escuela de Frankfurt, trabaja especialmente sobre los cruces entre arte, industria cultural y prácticas experimentales.
En paralelo a su investigación académica, desarrolla prácticas vinculadas al live coding, el DIY y las escenas musicales situadas en los márgenes institucionales. Sin una formación conservatorista tradicional, su acercamiento a la música surge desde la experimentación tecnológica, las culturas punk y los lenguajes híbridos entre filosofía y creación sonora.
Actualmente compagina su investigación doctoral con estudios en gestión cultural, explorando formas de mediación y producción artística contemporánea.

María Salto Perea (Madrid, 1991) es directora de fotografía y creadora audiovisual. Graduada en Comunicación Audiovisual, amplió su formación con un año de Cinematografía en Santa Fe University of Art and Design (Nuevo México, EE. UU.) y posteriormente cursó un máster en Dirección de Fotografía en EFTI, orientando defi nitivamente su práctica hacia la imagen cinematográfica.
Inició su trayectoria profesional en Mediaset España como realizadora y, más tarde, asumió la dirección del departamento audiovisual de Reason Why, experiencia que combinó con su formación continua y trabajos freelance. Desde 2020 trabaja como directora de fotografía autónoma para productoras como The Black Cactus Studios y Omglobal, desarrollando proyectos de publicidad, contenido digital y videoclips.
Su práctica se caracteriza por una combinación de solvencia técnica y mirada autoral, con especial interés por los rodajes en entornos reales y las narrativas de corte humano. Ha trabajado tanto en equipos reducidos como en grandes producciones, adaptándose a distintos formatos y escalas de producción.
En el ámbito documental, destaca su trabajo como directora de fotografía en la serie Esto es España (RTVE Play, 2024) y su participación en una expedición de rodaje en la Antártida junto al creador digital Enrique Álex para un documental en producción para el Ministerio de Ciencia e Innovación. En ficción y formato corto, ha firmado la dirección de fotografía de obras como Iria, El sueño o Nostalgia, con presencia en festivales internacionales y reconocimientos como el premio a mejor cortometraje en el Lucas Festival (Alemania) y en el Kortfi lmfestivalen (Noruega).
En el ámbito musical, ha trabajado como directora y directora de fotografía en videoclips para artistas como Nicki Nicole, Delaossa, La Pegatina, Rayden o Bely Basarte, con piezas nominadas a premios como los Premios MIN. Además, ha trabajado como ayudante de cámara en publicidad y televisión, y compagina su actividad profesional con la docencia en la escuela Metrópolis C.E.

Lucía Díaz-Tejero (Madrid, 1995) es comisaria independiente y gestora cultural, graduada en Filosofía por la Universidad Complutense de Madrid. Se ha formado con Claudia Castellucci en la Scuola Cònia y en el Istituto di Ricerca Applicata de la Societas Raffaello Sanzio, en Cesena (Italia), y ha ampliado su formación en la Biennale di Venezia, donde participó en diversos workshops con Anne Bogart y Angélica Liddell durante las ediciones de 2015 y 2016.
Ha desarrollado su trayectoria profesional en contextos internacionales vinculados a la programación, la producción y la mediación cultural, trabajando en instituciones y festivales como el Festival Internacional de Cine y Foro de Derechos Humanos (FIFDH) de Ginebra, la compañía de danza contemporánea Cie Gilles Jobin (Suiza), el festival Catalysi de la Societas Raff aello Sanzio (Italia), el Campus de Verano de la Academia de Cine con el apoyo de Netflix y el Ayuntamiento de Valencia, así como con Teatros del Canal, el Teatro Kamikaze y el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid.
Entre 2017 y 2022 trabajó como ayudante de dirección teatral y coordinadora de gira junto a creadores como Àlex Rigola, Pascal Rambert, Marta Pazos y Carlota Ferrer, participando en producciones presentadas en espacios como el Teatro Español, Teatro Kamikaze, el Teatro de la Abadía, Teatros del Canal y el Festival Temporada Alta. También ha desempeñado labores de segunda ayudante de dirección y asistente de producción en el ámbito audiovisual, participando en la serie Escenario 0 (HBO), producida por Calle Cruzada.
Su práctica curatorial se centra en la creación de espacios de encuentro entre pensamiento, prácticas artísticas y comunidad. En el festival Catalysi fue responsable de la curaduría de la participación española en su primera edición, seleccionando y acompañando proyectos para un contexto internacional. Actualmente dirige el Colectivo diiii sobremesa, con sede en Madrid, desde el que impulsa exposiciones, ciclos de cine, festivales de performance como Radicales Libres y VERANUA, así como coloquios y programas públicos en diálogo con artistas, filósofos y colectivos, explorando formatos híbridos de investigación, creación y mediación cultural.
Recientemente ha colaborado con la Galerie Eric Mouchet (París) en ARCO 2026, acompañando la representación, mediación y posicionamiento de la artista Kubra Khademi en el contexto madrileño y desarrollando labores de enlace con coleccionistas, instituciones y agentes del sector.

Fotografía del taller : @s.o.r.v.i.e.n.t.o